روبرت هنري

روبرت هنري

ولد روبرت هنري في سينسيناتي بولاية أوهايو عام 1865. درس الفن في أكاديمية بنسلفانيا وفي مدرسة الفنون الجميلة في باريس. بعد عودته إلى فيلادلفيا عام 1891 قام بالتدريس في مدرسة التصميم النسائية.

كان هنري من أشد المعجبين بأعمال توماس إيكنز ، وكان من دعاة الواقعية في الفن. يتذكر لاحقًا: "كان توماس إيكنز رجلًا ذا شخصية عظيمة. لقد كان رجلًا ذا إرادة حديدية وإرادته في الرسم والقيام بحياته كما كان يعتقد أنه يجب أن تسير. لقد فعل هذا. لقد كلفه ذلك كثيرًا ولكن في حياته". أعمالنا نمتلك النتيجة الثمينة لاستقلاليته وقلبه السخي وعقله الكبير.كان إيكنز تلميذًا عميقًا للحياة ، وبحب كبير درس الإنسانية بصراحة ، ولم يكن خائفًا مما كشفته دراسته له. مسألة طرق ووسائل التعبير ، علم التقنية ، درس بعمق ، حيث أن سيدًا عظيمًا فقط سيكون لديه الإرادة للدراسة. لم تتأثر رؤيته بالموضة. لقد كافح من أجل فهم القوة البناءة في الطبيعة وتوظيف وجدت المبادئ في أعماله. كانت صفته هي الصدق. والنزاهة هي الكلمة التي تناسبه على ما يبدو. أنا شخصياً أعتبره أعظم رسام بورتريه أنتجته أمريكا ".

في النهاية أصبح هنري قائدًا للحركة التي وصفها آرت يونغ بمدرسة آش كان. علم هنري طلابه أن عمل الفنان يجب أن يكون "قوة اجتماعية تخلق ضجة في العالم". كما حث هنري الفنانين على استخدام "الموضوع الثري الذي توفره الحياة الحضرية الحديثة". شمل الفنانون المتأثرون بأفكار هنري جون سلون وجورج بيلوز وجورج لوكس ودينيس وورتمان وروكويل كينت وإدوارد هوبر.

في عام 1898 بدأ هنري التدريس في مدرسة نيويورك للفنون. بعد معرض في عام 1904 ، لاحظ أحد النقاد: "أبدى السيد هنري دائمًا رغبة في رسم الحقيقة. من المرجح أن تتفاعل الجودة في رسام البورتريه مع سلبياته. وعندما يتم حفظ وجوه أفراد المجتمع وشخصياتهم على القماش ، فإنهم لديها رغبة قوية في تبدو جميلة، والرجل الذي يسعى فقط إلى إدامة الحقيقة من المرجح أن يكون خارج حظوة مع أصحاب الأموال ".

أوضح أحد طلابه ، ستيوارت ديفيس ، في وقت لاحق: "كان (هنري) يتحدث عن اللوحات التي جلبناها لمدة ثلاث إلى أربع ساعات ، وأثناء الحديث عن تلك الصور كان ينتقدها ليس من وجهة نظر البعض السابق. - أسس التميز ، ولكن فيما يتعلق بأفكاره الخاصة. كان يتحدث عن اهتماماته الخاصة أثناء حديثه عن اللوحة والطريقة ، نظرًا لأنه يتمتع بخبرة أكبر ، وتجربة هادفة مع الثقافة بشكل عام أكثر من الطاقم من الشباب الذين كانوا هناك ، كانت مناقشاته شؤون تربوية للغاية ".

عندما فشلت الأكاديمية الوطنية عام 1907 في إدراك أهمية هنري وأتباعه ، أقام معرضه الخاص تحت العنوان ، الثمانية. قال هنري: "إن الأحزاب الثورية التي تنفصل عن المؤسسات القديمة ، عن المنظمات الميتة يرأسها دائمًا رجال لديهم رؤية نظام ، مع رجال يدركون أنه يجب أن يكون هناك توازن في الحياة ، الكثير مما هو جيد لكل رجل الكثير لاختبار أعصاب روحه ، لدرجة إثارة فرحه ".

أصبحت أعمال مدرسة آش كان معروفة على نطاق واسع بعد عام 1911 عندما أصبح جون سلون محررًا فنيًا للمجلة الراديكالية ، الجماهير. على الرغم من أنهم نادراً ما كانوا يتلقون أجرًا ، إلا أن سلون كان قادرًا على استخدام أعمال هنري وكذلك الفنانين الذين أثر عليهم مثل ستيوارت ديفيس ، وجورج بيلوز ، وروكويل كينت ، وبوردمان روبنسون ، وروبرت مينور ، وكيه آر تشامبرلين ، وموريس بيكر.

في عام 1913 ألهمت أفكار هنري المعرض الدولي للفن الحديث (معرض الأسلحة) الذي أقيم في مدينة نيويورك. أقيم المعرض في مستودع أسلحة الفوج 69 ، وشمل أكثر من 1300 عمل ، بما في ذلك 430 من أوروبا. استقبل المعرض ، الذي أقيم في الفترة ما بين 17 فبراير و 15 مارس ، حوالي 250 ألف زائر.

بعد تركه مدرسة نيويورك للفنون ، درس هنري في مركز فيرير (1911-1918) ورابطة طلاب الفنون (1915-1928). كتاب هنري ، روح الفننُشر عام 1923 ، كان له تأثير هائل على الفنانين الشباب في جميع أنحاء أمريكا وأوروبا.

توفي روبرت هنري عام 1929.

السيد عندما يتم حفظ وجوه أفراد المجتمع وشخصياتهم على القماش ، فإن لديهم رغبة قوية في "المظهر الجميل" ، والرجل الذي يسعى فقط إلى إدامة الحقيقة من المرجح أن يكون غير محبوب مع أصحاب الأموال.

كان يتحدث عن اللوحات التي جلبناها لمدة ثلاث إلى أربع ساعات ، وأثناء الحديث عن تلك الصور ، كان ينتقدها ليس من وجهة نظر بعض معايير التميز المحددة مسبقًا ، ولكن فيما يتعلق بأفكاره الخاصة. كان يتحدث عن اهتماماته الخاصة أثناء حديثه عن اللوحة وفي الطريق ، نظرًا لأنه كان لديه خبرة أكثر ، وتجربة هادفة مع الثقافة بشكل عام أكثر من طاقم الشباب الذين كانوا هناك ، كانت مناقشاته شؤون تعليمية للغاية.

كان توماس إيكنز رجلاً ذا شخصية عظيمة. لم يكن خائفًا مما كشفته دراسته له.

فيما يتعلق بطرق ووسائل التعبير ، علم التقنية ، درس بشكل أعمق ، لأن المعلم العظيم فقط هو الذي سيكون لديه الإرادة للدراسة. "النزاهة" هي الكلمة التي تبدو مناسبة له. أنا شخصياً أعتبره أعظم رسام بورتريه أنتجته أمريكا.

إن الفوضى في عقل الإنسان هي التي تنتج الفوضى من النوع الذي يؤدي إلى مثل هذه الحرب التي تغمرنا اليوم. إن الفشل في رؤية مراحل الحياة المختلفة في علاقتها النهائية هو الذي يؤدي إلى النزعة العسكرية ، والعبودية ، وتوق أمة لقهر دولة أخرى ، والاستعداد للتدمير من أجل أغراض أنانية غير إنسانية.

إن الأحزاب الثورية التي تنفصل عن المؤسسات القديمة ، عن المنظمات الميتة يرأسها دائمًا رجال لديهم رؤية نظام ، مع رجال يدركون أنه يجب أن يكون هناك توازن في الحياة ، والكثير مما هو جيد لكل رجل ، يختبر أعصاب روحه كثيرًا ليثير فرحه.


ثلج في نيويورك

تنحرف صورة روبرت هنري النشطة والواضحة لنيويورك في الثلج عن مشاهد الثلج الحضرية الانطباعية في تلك الفترة بعدة طرق: فهي تمثل شارعًا جانبيًا مشتركًا وليس طريقًا رئيسيًا لا يوجد فيه أي شيء سردي أو روائي أو جميل عن الصورة المباشرة. ، تكوين منظور من نقطة واحدة يخلو من التفاصيل التافهة ، فالفرشاة الجريئة بشكل استثنائي تشبه دراسة تحضيرية بدلاً من لوحة زيتية نهائية ، وتخلق اللوحة الكئيبة جوًا مظلمًا وقمعيًا. في كتابه القياسي ، وصف هنري Snow in New York بأنه "N.Y. أسفل E. على شارع 55 من 6 Ave. Brown منازل في 5 Ave. تأثير العاصفة. الثلج. عربة إلى اليمين ".

بعد عودته إلى مدينة نيويورك في عام 1900 بعد إقامة طويلة في باريس ، أنشأ هنري في النهاية استوديوًا وأماكن معيشة في مبنى شيروود على زاوية شارع ويست 57 ستريت وسيكسث أفينيو. في مارس 1902 ، شجعه التاجر ويليام ماكبث على رسم مناظر مدينة نيويورك لإدراجها في معرض فردي من المقرر عقده في الشهر التالي. كان هنري يأمل في إنتاج لوحة لهذه المناسبة من شأنها أن تحقق درجة من الإشادة النقدية مماثلة لتلك الموجودة في La Neige (1899 ، اللوفر ، باريس) ، منظر ثلجي لشارع S & # 232vres في باريس تم شراؤه لمتحف Mus & # 233e du Luxembourg عام 1899. بينما تم العثور على مشترٍ لـ Snow في نيويورك ، تم بيع عمل واحد فقط ، مما دفع هنري إلى تحويل انتباهه بشكل أساسي إلى فن البورتريه.


ركن المحاضر | روبرت هنري مدرس زعيم "الثمانية" فنان متمرد!

"ستيلا" التي رسمها روبرت هنري في عام 1907 وعلى الرغم من أنها لم تُعرض في المعرض الشهير لعام 1908 المسمى "ثمانية" في معرض ماكبث في نيويورك ، تُعرف بأنها واحدة من أرقى صور هنري وتسليط الضوء على مجموعة ألكسندر. في عام 1907 ، كان هنري يقترب من سن 42 عامًا ، وفي ذروة حياته المهنية كفنان ، ناهيك عن نجاحاته كمدرس ملهم وقائد للعديد من الطلاب.

لم يكن روبرت هنري (1865-1926) يُطلق عليه دائمًا هذا الاسم. كان اسم ولادته روبرت هنري كوزاد. يحيط بعض الغموض ببداياته المبكرة مع والديه قبل الانتقال من نبراسكا ، ويبدو أن بعض الخلاف حول حقوق المياه أو ملكية الأرض أغضب والد روبرت لإطلاق النار على الرجل. لذلك في منتصف الليل ، كان روبرت البالغ من العمر 8 سنوات يتنقل مع شقيقه ووالديه الذين غيروا على الفور جميع أسمائهم.

من نيويورك إلى أتلانتيك سيتي ، وفي عام 1886 ، وهو الآن يبلغ من العمر 21 عامًا ، التحق روبرت بأكاديمية بنسلفانيا للفنون. قام روبرت برحلتين إلى باريس عندما كان شابًا أول رحلة في عام 1888 لدراسة الانطباعية الفرنسية ، وبعد 3 سنوات (بعد بعض سنوات التدريس في بنسلفانيا) خلال تسعينيات القرن التاسع عشر ، مما أدى إلى تغيير أسلوبه إلى لوحة ألوان داكنة. كانت مؤثراته المبكرة غويا وفيلازكويز وفرانس هالز.

تبدأ مساهمات روبرت هنري في الفن الأمريكي حقًا مع حياته المهنية كمدرس. في عام 1892 درس هنري في مدرسة فيلادلفيا للتصميم للنساء (الآن كلية مور للفنون). في عام 1893 في داربي كريك بولاية بنسلفانيا وكان ذلك خلال برنامج صيفي ، حضر جون سلون وجورج لوكس وإيفريت شين وويليام جلاكينز (كانوا يشكلون المجموعة الأساسية لمعرض ثمانية في عام 1908). التحقوا مرة أخرى عندما درس في أكاديمية فيلادلفيا.

كان هنري مدرسًا كاريزميًا ألهم طلابه حقًا. أثناء التدريس في مدرسة نيويورك للفنون ، طغت شعبيته كمدرس على شهرة الأستاذ المشارك ويليام ميريت تشيس ، الذي لم يكن قادرًا على المنافسة ، لذلك استقال من ترك هنري لإدارة المدرسة. كان من بين طلابه جورج بيلوز وستيوارت ديفيس وإدوارد هوبر وروكويل كينت. من 1911 إلى 1918 ، درس هنري في مدرسة مركز فيرير أيضًا في نيويورك ، حيث كان مان راي من بين طلابه.

تم جمع أفكار روبرت عن الفن من قبل الطالبة السابقة مارجري رايرسون في كتاب "روح الفن". تم تحديده من قبل مجلس الفنون في نيويورك ، قبل سنوات قليلة من وفاته في عام 1926 ، كواحد من أفضل ثلاثة فنانين أحياء في أمريكا. تضمن إرثه في التدريس تكريم الفنانات. يعتقد هنري أن الفنانين يجب أن يكونوا واقعيين في أمريكا ، قائلاً إن ما نحتاجه ، "هو الفن الذي يعبر عن روح الناس اليوم ..." وهذا ما شجع طلابه على القيام به ، وهذا ما فعله في لوحاته.


روبرت هنري توم بو كوي (مياه بحيرة الظباء / فتاة هندية / رامونسيتا)

أنتج روبرت هنري هذه الصورة المذهلة لرامونسيتا غونزاليس (توم بو كوي) (تيوا ، سان خوان بويبلو) في عام 1914 ، في بداية الحرب العالمية الأولى. يعد تاريخ اللوحة وحيوية لوحة هنري وهوية بويبلو الأصلية للحاضنة هي المفتاح لتفكيك أهمية العمل.

روبرت هنري ثلج في نيويورك، 1902 ، زيت على قماش ، 81.3 × 65.5 سم (المعرض الوطني للفنون ، الصورة: ستيفن زوكر ، CC BY-NC-SA 2.0)

كان هنري ، بحلول هذا الوقت ، شخصية مهمة في عالم الفن الأمريكي ، وتم الاعتراف به كشخصية رائدة في تطوير أسلوب مدرسة أشكان للرسم. لقد كان المنظم الرئيسي لمجموعة منشقة من الفنانين المعروفة باسم The Eight. توم بو كوي تم رسمه بعد ست سنوات ، وهو متأخر نسبيًا في حياته المهنية ، وهنا نرى تحولًا في الأسلوب.

مدخل معرض مخزن الأسلحة في مدينة نيويورك ، مستودع أسلحة الفوج 69 ، مدينة نيويورك ، 1913

حيوية جديدة

قبل عام واحد فقط من إنتاج هذا العمل ، هز عالم الفن في نيويورك معرض الأسلحة لعام 1913 (المعروف أيضًا باسم المعرض الدولي للفن الحديث) ، والذي كان أول معرض رئيسي للفن الحديث أقيم في الولايات المتحدة . بينما تم تضمين بعض الفنانين الأمريكيين (بما في ذلك هنري) في العرض ، كان الأوروبيون هم الذين صدموا الجماهير حقًا بأساليبهم الرائدة ، بما في ذلك Fauvism و Cubism و Futurism. بالنسبة للمشاهدين الأمريكيين الذين اعتادوا مؤخرًا على الواقعية الجريئة لهنري وزملائه الرسامين في مدرسة أشكان ، كانت الأعمال الأوروبية التجريبية صادمة.

اليسار: روبرت هنري ، الرقم في الحركة، 1913 ، زيت على قماش ، 196.2 × 94.6 سم (مؤسسة تيرا للفن الأمريكي) إلى اليمين: مارسيل دوشامب ، عارية نازلة على سلم (رقم 2)، 1912 ، زيت على قماش ، 151.8 × 93.3 سم (متحف فيلادلفيا للفنون)

في الواقع ، إحدى مساهمات هنري في العرض ، الرقم في الحركة، غالبًا ما تتم مقارنته بالتركيب التكعيبي الشهير لمارسيل دوشامب عارية نازلة سلم (رقم 2) كطريقة للتأكيد على الطابع التمثيلي القوي للواقعية الأمريكية من خلال الطائرات المسطحة والجودة المجردة للطليعة الأوروبية. بينما ظل عمل هنري رمزيًا في السنوات التي أعقبت عرض مخزن الأسلحة ، أصبحت تقنيته أكثر مرونة وأصبحت لوحته أفتح وأكثر إشراقًا ، ويرجع ذلك جزئيًا إلى تجربة أعمال فوفيست في مخزن الأسلحة.

روبرت هنري توم بو كوي (مياه بحيرة الظباء / فتاة هندية / رومانسيتا) (تفاصيل) ، 1914 ، زيت على قماش 40 × 32 بوصة (متحف دنفر للفنون)

ومع ذلك ، فإن الألوان الزاهية توم بو كوي لا يمكن تفسيره بالتعرض لأساليب الحداثة الأوروبية وحدها حيث كان هنري في كاليفورنيا عندما رسم هذه اللوحة القماشية أمر مهم أيضًا. يقضي هنري المقيم في نيويورك عادةً الصيف في الخارج ، حيث يسافر إلى مناطق أوروبية مختلفة (شملت الرحلات السابقة المهمة أيرلندا وهولندا وإسبانيا). ومع ذلك ، اندلعت الحرب العالمية الأولى في صيف عام 1914 ، مما جعل الرحلات الدولية غير ممكنة. مثل العديد من الأمريكيين الذين اقتصرت خطط سفرهم على الرحلات الداخلية ، أدار هنري عينه غربًا. استقل القطار إلى كاليفورنيا ، واستقر في أشهر الصيف في لا جولا.

روبرت هنري توم بو كوي (مياه بحيرة الظباء / فتاة هندية / رومانسيتا) (تفاصيل) ، 1914 ، زيت على قماش 40 × 32 بوصة (متحف دنفر للفنون)

انجذب هنري بشكل خاص إلى الضوء الشديد لجنوب كاليفورنيا ، معلناً الظروف المثالية للرسامين. يمكن رؤية تقاربه لهذا الضوء في صورة توم بو كوي، حيث لا تكون خلفية اللوحة هي المساحات الداخلية المظلمة الشائعة في أعماله السابقة ، بل بالأحرى مكان مرسوم بشكل فضفاض يستحضر المنطقة الساحلية المكسوة بأشعة الشمس حيث وجد نفسه. قد تظهر الفرشاة غير المكتملة والألوان الزاهية دليلاً على تأثير الحداثيين الأوروبيين مثل بول سيزان وهنري ماتيس ، ولكن أيضًا تأثير التمرين في الغرب.

"شعبي"

لم ينجذب هنري إلى ضوء كاليفورنيا فحسب ، بل انجذب أيضًا إلى تنوع سكان المنطقة. طوال حياته المهنية ، استثمر Henri في العثور على أشخاص جدد ومثيرين للاهتمام لرسمهم ، والبحث عن نماذج لمختلف المواقف الاجتماعية والمهن والمناطق والأعراق. في كاليفورنيا ، كان مهتمًا بشكل خاص بالعثور على المعتصمين لما فهم أنه هويات عرقية متنوعة. خلال ما سيكون في النهاية ثلاث رحلات إلى المنطقة ، رسم جليسات أطفال سود ، وأمريكيين صينيين ، وأمريكيين مكسيكيين ، وهنود أمريكيين. في مقال في عام 1915 مبني على هذه الأعمال ، صرح هنري: "لم أكن مهتمًا بهؤلاء الأشخاص للتعاطف معهم ، وللحزن على حقيقة أننا دمرنا الهندي ، وأننا نغير الفتاة الصينية الخجولة إلى طبق الحساء ،. . . إنني أنظر إلى كل فرد بأمل شديد في العثور هناك على شيء من كرامة الحياة ، والفكاهة ، والإنسانية ، واللطف ". [1]

اليسار: روبرت هنري ، سيلفستر، 1914 ، زيت على قماش ، 81.2 × 66. سم (مؤسسة تيرا للفن الأمريكي) إلى اليمين: روبرت هنري ، تام غان، 1914 ، زيت على قماش ، 60.96 × 50.8 سم (معرض ألبرايت نوكس للفنون)

نقرأ اليوم خطابه باعتباره إشكاليًا عنصريًا ومتسلطًا ، لا سيما في ضوء عنوان الملكية الخاص بالمقالة ، "شعبي". لكن رغبة هنري في تصوير هؤلاء الجالسين كأفراد يتمتعون بالكرامة تتحدى مع ذلك الصور النمطية العنصرية الأكثر ضراوة التي كانت سائدة في تلك الحقبة ، حتى مع تحول نهجه إلى غرابة.

روبرت هنري توم بو كوي (مياه بحيرة الظباء / فتاة هندية / رومانسيتا) (تفاصيل) ، 1914 ، زيت على قماش 40 × 32 بوصة (متحف دنفر للفنون)

توم بو كوي هو مثال رئيسي على مثل هذه البورتريه. من ناحية أخرى ، يبدو أن العمل يقدم غونزاليس كنوع عرقي ، وملابسها الأصلية الملونة ومجوهراتها الفضية المبهرة مظللة بطريقة تجعلها تبدو كقطعة زخرفية ، تم تقديمها لتستهلكها الجماهير من غير السكان الأصليين المتحمسين لرؤية الصور. من الثقافة الهندية الأمريكية الغريبة. ومع ذلك ، يحدق غونزاليس خارج اللوحة بامتلاك الذات ، ويلتقي بنظرة المشاهد بالتساوي بطريقة تعطل تفسير هذا العمل باعتباره استغلاليًا بالكامل. لا يمكن تجاهل وكالة هذه الحاضنة ، بل إن السجل التاريخي المتعلق بهوية غونزاليس كفنانة وفنانة بويبلو في حد ذاتها يجلب مزيدًا من الفوارق الدقيقة لتحليل هذه اللوحة.

صحراء مرسومة

رسم هنري غونزاليس ليس في لا جولا ، ولكن في سان دييغو القريبة ، في موقع معرض بنما-كاليفورنيا ، الذي سيفتتح في عام 1915. أقيم معرض بنما-كاليفورنيا بين 1 يناير 1915 و 1 يناير 1917 في سان دييغو. حديقة بالبوا للاحتفال بافتتاح قناة بنما ولتعزيز السياحة في المنطقة. كان البناء جارياً للمعارض المختلفة للمعرض ، بما في ذلك "الصحراء الملونة" ، وهو معرض إثنوغرافي مع بويبلو أعيد بناؤه على نطاق واسع من شأنه أن يعرض المئات من فناني بويبلو ونافاجو وأباتشي. طلب المنظمون من العديد من عائلات بويبلو السفر من منازلهم في نيو مكسيكو إلى الموقع مبكرًا والمساعدة في البناء. كانت غونزاليس من بين هؤلاء ، حيث وصلت مع ابنة عمها ماريا مارتينيز وزوج ماريا جوليان. بينما عمل جوليان مارتينيز كرئيس عمال إنشاءات ، قام غونزاليس وماريا مارتينيز ببناء الأواني الكبيرة التي كانت بمثابة مداخن في أماكن المعيشة لبويبلو المعاد بناؤه. عندما افتتح المعرض ، استمروا في إنتاج الفخار ، وهذه المرة لبيعها للزوار الذين توافدوا على المعرض. أدى الاهتمام السياحي بفخار بويبلو خلال هذه الفترة إلى انتعاش هذه الممارسة ، والتي كادت أن تختفي في أواخر القرن التاسع عشر.

مصور غير معروف ماريا مارتينيز ورامونسيتا غونزاليس يصنعان الفخار ، معرض صحراوي ملون ، معرض بنما-كاليفورنيا ، 1915 (الصورة: متحف سان دييغو للإنسان)

اشترى رواد المعرض أوانيًا من حين لآخر ، لكنهم زاروا أيضًا معرض الصحراء الملونة لمجرد ملاحظة السكان الأصليين المقيمين هناك ، والقيام بأنشطة تعتبر تقليدية - بما في ذلك إنتاج الفخار. شاهد الزوار كيف قامت ماريا مارتينيز ورامونسيتا غونزاليس بتشكيل وإطلاق سفنهم ، مع تقديم جوليان مارتينيز التصاميم المرسومة. كانت شخصيات بويبلو هذه فنانين / فنانين وافقوا على تقديم أنفسهم كشعوب أصلية تعيش بطريقة تقليدية في مقابل الأجور التي يدفعها منظمو المعرض. وبالمثل ، عندما زار فنانين مثل Henri أرض المعارض بحثًا عن عارضات أزياء ، وافق فناني Pueblo على الجلوس ، أو يمكننا القول ، أداء هويتهم التقليدية.

روبرت هنري توم بو كوي (مياه بحيرة الظباء / الفتاة الهندية / رومانسيتا) (تفصيل)، 1914 ، زيت على قماش 40 × 32 بوصة (متحف دنفر للفنون)

من المحتمل أن تختار غونزاليس ملابسها توم بو كوي إنها نفس أنواع الملابس والمجوهرات التي نراها هي ونساء بويبلو الأخريات يرتدين عند افتتاح المعرض. نظرًا لتهديد سبل عيش بويبلو المعتادة من خلال التعدي على الثقافة البيضاء ، تحول غونزاليس وآخرون إلى إنتاج الأدوات السياحية والأداء باعتباره "عرض الهنود" كمسألة بقاء. صور مثل توم بو كوي هي تذكير بالممارسات الاستغلالية والغريبة التي دفعت أشخاص بويبلو مثل غونزاليس إلى تبني أداء هويتهم الأصلية من أجل الأمن المالي. ومع ذلك ، تجدر الإشارة إلى أنه في الوقت نفسه ، وثق هذا العمل نشاط الشعوب الأصلية في السنوات الأولى من القرن العشرين ، حيث قاموا بتكييف تقاليد السكان الأصليين مع احتياجات حياتهم الحديثة.

[1] روبرت هنري ، "My People" ، الحرفي المجلد. 27 ، لا. 5 (فبراير 1915) ، ص. 467.

ديريك كارترايت وفاليري آن ليدز ، روبرت هنري في كاليفورنيا: الواقعية والعرق و المنطقة 1914-1925 (لاجونا ، كاليفورنيا: متحف لاجونا للفنون ، 2014)

روث ب. فيليبس ، "Performing the Native Woman: Primitivism and Mimicry in Early-Twentieth-Century Visual Culture" ، " معاداة الحداثة والتجربة الفنية: ضبط حدود الحداثة، حررته ليندا جيسوب ، 26-49 (تورنتو: مطبعة جامعة تورنتو ، 2001)

دبليو جاكسون راشنغ ، الفن الأمريكي الأصلي و New York Avant-Garde (أوستن: مطبعة جامعة تكساس ، 1995)


Лижайшие родственники

حول روبرت هنري بيديجو ، أنا

تاريخ عائلة Pedigo في أمريكا بمساهمة: Frank Edward Durham & # x00b7 20 يوليو 2015 & # x00b7 Edward Pedigo (Pediford) (Peregoy) (25 ديسمبر 1730 - 26 أبريل 1834)

إدوارد بيديجو ، الذي غالبًا ما يشار إليه باسم & # x201cGrand-Sire Ned & # x201d من قبل عائلته ، كان ابن هنري بيريجوي ، الأب من مقاطعة بالتيمور ، ميريلاند من قبل زوجته الأولى ، آمي جرين. جده كان جوزيف بيريجويز (1665-1720) ، الذي هاجر إلى ماريلاند من فرنسا في 1685. وفقًا لتقاليد الأسرة ، إدوارد وأخوه الأكبر ، روبرت ، هربوا من المنزل وهم لا يزالون في سن المراهقة هربًا من اضطهاد زوجة الأب المستبدة. غير الصبيان تهجئة أسمائهم إلى Pedigo واستقروا في York River Valley of Virginia. في وقت لاحق انتقلوا إلى المنطقة البرية في جنوب بيدمونت ، وهي منطقة تضم الآن باتريك وهنري. هنا تزوج الأخوان من أخت إلكين إدوارد إلى هانا إلكينز و روبرت لماري إلكينز. كان لدى كلتا العائلتين أبناء يدعى يوسف وهنري وإيليا وجون ، وكلاهما كان لهما بنات تدعى إليزابيث وآمي.

في رسالة مؤرخة في ٨ نوفمبر ١٩٠٤ ، كتب جورج إدوين بيديجو (الذي كان يبلغ من العمر آنذاك ٨٦ عامًا) من راندولف ، مقاطعة ميتكالف ، كنتاكي. على النحو التالي:

& # x201c في عام 1805 ، انتقل جدي ، جوزيف بيديجو ، من فيرجينيا إلى كنتاكي واستقر بالقرب من بليزانت هيل. المنزل على الأرض التي اشتراها (250 فدان عام 1816). بعد ذلك بعامين أو ثلاثة ، عاد إلى ولاية فرجينيا ونقل Grand-Sire Ned إلى كنتاكي واستقر في جزء من أرضه. عاش Grand-Sire Ned هناك حتى وفاة زوجته ، ثم ذهب إلى ابنه Joseph & # x2019s وعاش ومات هناك. ماتت والدتي ، ووضعت في جدتي وجدي (جوزيف ودوللي إدواردز بيديجو) ، وانتظرت في Grand-Sire Ned حتى وفاته. تم دفنه 2 و # x00bd ميل شمال كنيسة بليزانت هيل. لا مقبرة هنا إذن. & # x201d

جاء إدوارد بيديجو إلى كنتاكي مع ابنه البكر ، جوزيف ، الذي كان قد انتقل إلى هناك قبل ثلاث سنوات. تزوج جوزيف بيديجو من دوروثي إدواردز في فيرجينيا عام 1783 ، وعندما انتقل الزوجان إلى مقاطعة بارين بولاية كنتاكي عام 1805 ، كانا برفقة العديد من أشقاء جوزيف و # x2019 ، بما في ذلك الأخوان هنري وليفي وإلكين. ثم عاد جوزيف إلى مقاطعة باتريك بولاية فيرجينيا ليصطحب والديه إلى منزلهما الجديد. بحلول ذلك الوقت ، كان إدوارد شيخًا يبلغ من العمر حوالي 73 عامًا. عاش في النهاية حتى سن 104 ، وتوفي في 26 أبريل 1834 ، بالقرب من راندولف ، كنتاكي (وفقًا لسجل الكتاب المقدس لجون غروغان بيديجو ، حفيد إدوارد وهانا). كان المنزل الأصلي يقع في مقاطعة بارين بالقرب من قرية راندولف ولكنه الآن في مقاطعة ميتكالف التي تشكلت من بارين في عام 1860. ويعتقد أن إدوارد واثنين من أبنائه (جوزيف وهنري) قد دفنوا في مقبرة عائلة بيديجو القديمة تقع على بعد حوالي 0.1 ميل جنوب راندولف. لم يعد من الممكن تحديد الموقع الدقيق للمقبرة ، حيث تم تسوية الموقع بالجرافة في السنوات الأخيرة.

تم اعتماد الشكل الحالي للاسم ، Pedigo ، من قبل فرعي العائلة في فرجينيا وكنتاكي ، لكن عائلة ماريلاند لا تزال واحدة من الأشكال الأقدم وهي Peregoy. ومع ذلك ، هناك العديد من الأشكال المعروفة التي تحمل الاسم نفسه: Pedego ، و Perego ، و Peregory ، و Peregoe ، و Perigo ، و Pedigoy. هذه النماذج مأخوذة من وثائق مختلفة ، وفي واحدة قديمة سيكون هناك خمسة من هذه النماذج.

كان إدوارد بيديجو مواطنًا وطنيًا أمريكيًا وله سجل طويل ومثير للاهتمام ، ليس فقط في الحرب الثورية ، ولكن أيضًا في الحرب الفرنسية والهندية. خدم في ميليشيا مقاطعة هاليفاكس ، فيرجينيا ، المسجلة في سبتمبر 1758 باسم إدوارد بيريجوي ، لفترتين قبل ذلك التاريخ. كان مع واشنطن في Fort Duquesne ، مسرح هزيمة الجنرال Braddock & # x2019s ، كونه واحدًا من الثلاثين من سكان فيرجينيا الذين غادروا ساحة المعركة على قيد الحياة. عندما تمردت المستعمرات ضد إنجلترا ، رأى إدوارد خدمة الحرب الثورية تحت اسم Edward & # x201cPediford & # x201d (جنبًا إلى جنب مع تهجئات أخرى مختلفة) وخدم بصفة خاصة مع أفواج فرجينيا الثالثة والخامسة والسابعة والحادية عشرة. بعد الحرب ، حصل على أمر أرض من مكتب أراضي ولاية فرجينيا لمدة ثلاث سنوات في الخط القاري.

تم تجنيده لأول مرة في 13 فبراير 1778 ، لمدة عام واحد وخدم في شركة الكابتن تشارلز فليمنج و # x2019s ، Seventh Virginia Foot ، بقيادة العقيد ألكسندر ماكليناتشان. نظرًا لأنه غالبًا ما تم دمج أفواج فرجينيا وإعادة تنظيمها ، كان إدوارد قريبًا في سرية الكابتن هنري يونغ من الفوجين الثالث والسابع ، ولاحقًا في الفوجين الخامس والحادي عشر. تتمتع بعض قوائم حشده باهتمام تاريخي كبير ، حيث تظهره مع واشنطن في Valley Forge ، في Morristown ، ومع مساعدة القوات D & # x2019Estaining & # x2019s أسطول في سافانا. رأى العمل في معركة محكمة مونماوث في 28 يونيو 1778. تحكي لفة الحشد في ديسمبر 1778 عن إعادة تجنيده طوال مدة الحرب. تم تأريخ آخر لفة حشد على قيد الحياة & # x201cCamp بالقرب من موريستاون ، 09 ديسمبر 1779 ، & # x201d ، لكن هذا فشل في إظهار خدمته اللاحقة ، والتي تم إثباتها من خلال أمره العسكري بالأرض بتاريخ 12 يناير 1784 ، مع تلاوة ثلاث سنوات من الخدمة. يكاد يكون من المؤكد أن إدوارد كان مع بقية المجندين وضباط خط فيرجينيا عندما أسرتهم القوات البريطانية في حصار تشارلستون في 12 مايو 1780.


روبرت هنري - التاريخ

ملاحظة المحرر: قدم متحف مينيسوتا للفن الأمريكي مصدرًا لمجلة Resource Library Magazine للمقال التالي. إذا كانت لديك أسئلة أو تعليقات بخصوص المادة المصدر ، فيرجى الاتصال بمتحف مينيسوتا للفن الأمريكي مباشرةً من خلال رقم الهاتف هذا أو عنوان الويب:

روبرت هنري وتأثيره

26 أكتوبر - 31 ديسمبر 2002

يقدم متحف مينيسوتا للفن الأمريكي معرض روبرت هنري وتأثيره ، حتى 31 ديسمبر 2002. ويضم لوحات ومطبوعات وأعمال على الورق لروبرت هنري و 11 فنانًا مرتبطًا بالحركات الأمريكية الحديثة الأولى في القرن العشرين ، مدرسة أشكان والثمانية. (يسار: William Glackens (1870-1938) ، مشهد الشاطئ ، جزيرة آدم ، التاريخ مرسوم غير معروف ، زيت على قماش ، MMAA Margaret MacLaren Bequest)

يمثل هذا المعرض التنوع الجمالي الهائل الذي ميز هذه الحركات ، من البورتريه إلى مشاهد الشوارع ، والدور الذي لعبه هنري في تشكيل اتجاهها. تشمل أعمال هنري والأعضاء الآخرين في The Eight - آرثر بي ديفيز ، وويليام جلاكنز ، وإرنست لوسون ، وجورج لوكس ، وموريس برندرغاست ، وإيفريت شين ، وجون سلون - وغيرهم من الفنانين الذين تأثر بهم هنري ، بما في ذلك جورج بيلوز وآرثر كارليس ، ويليام ميريت تشيس ، والت كون.

كان لهنري تأثير عميق على الفن الأمريكي. مدرس مشهور وداعية لأساليب الرسم المغامرة ، قام بتشكيل The Eight and Ashcan School. جلب وجوده الديناميكي كفنان ومعلم وحماسه لتفاصيل الحياة ثقة جديدة للفنانين الأمريكيين. مع هنري كقائد غير رسمي ، تم تشكيل المجموعة المبتكرة من الفنانين المعروفين باسم & quot The Eight & quot في عام 1907. وقد تأثروا برسامي الجرائد بينهم ، وكانوا مصممين على تصوير حياة المدينة بشكل واقعي. في ذلك الوقت ، كانت أمريكا ممزقة بين متطرفين اقتصاديين ، راكم الصناعيين ثروات كبيرة بينما أدت الهجرة الجماعية إلى الفقر الحضري. أدت دقة رسوماتهم للأحياء الفقيرة في نيويورك إلى لقب & quot؛ مدرسة أشكان. & quot ؛ على الرغم من أن The Eight أقام معرضًا واحدًا فقط كمجموعة في عام 1908 ، فقد لعب العديد من الأعضاء دورًا أساسيًا في تنظيم معرض New York Armory Show الشهير عام 1913 والذي أحدث ثورة في الفن الأمريكي الحديث. (يسار: Everett Shinn (1876-1953) ، The Old Bus ، 1904 ، باستيل على الورق ، MMAA Weyand Fund Purchase)

تم تنظيم Robert Henri and His Influence من مجموعة Sheldon Memorial Art Gallery في لينكولن ، نبراسكا ، وتكمله أعمال من متحف مينيسوتا للفن الأمريكي ومجموعات خاصة.

مثلت مدرسة The Eight and Ashcan School تنوعًا جماليًا هائلاً جاء لتميز تاريخ الفن الحديث في الولايات المتحدة. لقد عملوا بشكل أساسي كمجموعة عرض ذات فلسفة مشتركة ، بدلاً من أسلوب فني مشترك. كان لأعضاء The Eight دور فعال في تنظيم وتعزيز معرض New York Armory Show الشهير لعام 1913 ، وهو أول جرعة أمريكية من الحداثة الأوروبية ، والتي مثلت نقطة تحول رئيسية في الفن والثقافة الأمريكية. يمثل كل من جورج بيلوز ، وآرثر ب.ديفيز ، وويليام جلاكنز ، وولت كون ، وجورج لوكس ، وموريس برندرغاست ، وإيفريت شين ، وجون سلون ، الذين يمثلون مجموعة كاملة من الأساليب الفنية التي تعبر عن نطاق تأثير روبرت هنري ، هذه الغزوة الأمريكية الأولية في الحداثة في القرن العشرين.

وُلد روبرت إيرل هنري في الأصل روبرت هنري كوزاد في 25 يونيو 1865 في سينسيناتي بولاية أوهايو. كان والده ، جون جاكسون كوزاد ، مقامرًا سابقًا تحول إلى مطور عقارات ، وكانت والدته ، تيريزا جاتوود كوزاد ، ربة منزل. في عام 1873 ، انتقل هو وعائلته غربًا إلى سهول نبراسكا العظيمة ، حيث أسس والده مدينة كوزاد. كانت المدينة مأهولة بالمزارعين في المقام الأول ، ولأن مزارعهم كانت تحتل أراضي الرعي المختارة ، واجه والد هنري صعوبات مع مربي الماشية الراسخين الذين كانوا هناك لسنوات عديدة. في إحدى الأمسيات ، في عام 1882 ، هاجم أحد مربي الماشية والد هنري بسكين. ودفاعا عن النفس ، أطلق عليه الرصاص مسدسا قاتلا ثم هرب. على الرغم من أنه تم تبرئته لاحقًا من أي فعل خاطئ ، إلا أنه لم يعد أبدًا. وبدلاً من ذلك ، استقر في دنفر ، كولورادو ، حيث اجتمعت عائلته معه لاحقًا. من أجل التنصل من الفضيحة ، قام كل فرد من أفراد الأسرة بتغيير أسمائهم ، وأصبح روبرت هنري كوزاد روبرت إيرل هنري (يُطلق عليه Hen-rye). (يسار: روبرت هنري (1865-1929) ، بورتريه ذاتي ، 1903 ، زيت على قماش ، جامعة نبراسكا - لينكولن ، هدية السيدة أولغا إن شيلدون)

على الرغم من نجاحهم في دنفر ، إلا أن عائلة كوزاد ، التي أصبحت الآن عائلة ليز ، أدركت أنها توفر فرصًا قليلة لتعليم أبنائهم ومستقبلهم ، لذلك انتقلوا شرقًا واستقروا في أتلانتيك سيتي ، نيو جيرسي ، في عام 1883. وأثناء وجودهم هناك ، أنتج هنري أول لوحتين له. وعندما رآه أحد الأصدقاء ، تم تشجيعه على السعي للحصول على تدريب فني رسمي. في العام التالي ، التحق هنري بأكاديمية بنسلفانيا للفنون الجميلة (PAFA) ، أقدم مؤسسة فنية في الولايات المتحدة ، في فيلادلفيا ، بنسلفانيا. كان المنهج صارمًا. تضمنت دراسة علم التشريح ، وساعات طويلة من الرسم والرسم ونمذجة الشكل البشري ، وفصولاً في التكوين والمنظور والبورتريه. مع مرور الوقت ، حسّن هنري مهاراته الفنية ونال إعجاب مدربه توماس أنشوتس.

بعد عامين في PAFA ، أدرك هنري أنه سيتعين عليه الذهاب إلى أوروبا إذا كان يريد تدريبًا فنيًا رسميًا كاملاً. So, in 1888, Henri went to Paris and attended the Académie Julian, and later transferred to the École des Beaux-Arts, one of the most famous and well-respected art schools in the world.

In 1891, Henri returned to Philadelphia and, the following year, began his long career as an art instructor his first job was at the Philadelphia School of Design for Women. He also continued formal art training at the PAFA.

During this time, Henri met and befriended a group of young artists and newspaper illustrators who admired him for his talent and the fact that he was one of few artists in Philadelphia to have studied in Paris. Henri invited these
men to his studio for weekly discussions on art, ethics, literature, music, and politics, which, consequently, created a dynamic artistic environment. More importantly, however, he lectured on the role of artists in the United States. Henri firmly believed that serious artists should develop their own means of expression, and not be pressured into following - and perpetuating - aesthetic conventions.

Of those who attended the weekly discussions, four were newspaper illustrators, namely William Glackens, George Luks, Everett Shinn, and John Sloan, who, collectively, were known as the "Philadelphia Four." Although three of the four had studied at the PAFA, they did not aspire to be serious artists. Henri, however, encouraged them to paint. He never imposed a style upon them because he wanted them to develop their own means of expression. He did offer advice, though:

"Paint what you feel. Paint what you see. Paint what is real to you."

During the latter-half of the 1890's, Henri divided his time between Philadelphia and Paris. He believed Philadelphians, compared to Parisians, were not as accepting of his works. In order to gain acceptance and recognition in Philadelphia, or anywhere in the United States, he first had to prove himself as a successful artist in Paris. And that he did. In 1896, one of Henri's works was accepted for the Salon and, in 1899, three more of his works were accepted. The following year, Henri returned to the United States and settled in New York, where the "Philadelphia Four" also settled.

In 1902, Henri accepted a teaching position at the New York School of Art. He was an extremely popular instructor, and quickly found himself receiving awards and serving on juries at various institutions, including the relatively conservative National Academy of Design. Although Henri disagreed with the Academy and its stance on art, he hoped he could reform it from within. Although his works were often accepted for the Academy's annual exhibition, largely because they were portraits, works by other young artists, such as Glackens, Luks, Shinn, and Sloan, were not.

In 1907, after years of fighting with the Academy, Henri withdrew two of his works from the annual exhibition, citing an unfair attitude towards young artists, and organized his own exhibition, featuring his and his friends' works. The result was the exhibition of "The Eight" (i.e. Henri, Glackens, Luks, Shinn, Sloan, Arthur B. Davies, Ernest Lawson, and Maurice Prendergast) at the Macbeth Gallery in New York. The exhibition, which opened on February 3, 1908, was an immediate success, not only because of its publicity, which was provided for by the "Philadelphia Four," but also because the works were more accurate and livelier representations of life in the United States than anything selected for exhibition by the Academy. In all, over 7,000 visitors attended the exhibition and about $4,000 worth of works were sold. Reaction from the critics was mixed although some disliked their coarse, vulgar subjects and lack of technique, others praised their creativity and truthfulness regarding the diversity and social conditions of the United States, as well as their individuality without being confined to the Academy's conservative standards. (left: Robert Henri (1865-1929), Gypsy Girl in White, 1916, oil on canvas, University of Nebraska-Lincoln, Howard S. Wilson Memorial)

The exhibition of "The Eight" marked a turning point in the art world, particularly in the United States. It proved, once and for all, that a group of progressive artists could hold an exhibition that was successful with both the amount of people it attracted and the amount of money it generated. And it was only a starting point. Its success gave "The Eight," as well as other progressive artists, the courage and determination to continue their fight against the Academy by holding larger and more radical exhibitions of both American and European art. Such was the case with the Armory Show of 1913, where Henri exhibited five works.

After several years of teaching at the New York School of Art, Henri opened his own school, the Henri School of Art, where he taught such artists as Patrick Henry Bruce, Stuart Davis, Edward Hopper, Rockwell Kent, and Yasuo Kuniyoshi, all of whom are represented in the Sheldon's permanent collection. He also taught at the educationally and politically radical Ferrer Modern School, where Man Ray and Leon Trotsky attended his classes and, later, at the Art Students' League. In 1923, Henri's importance and influence were carried beyond the classroom with the publication of his book The Art Spirit, a collection of his lecture notes, criticisms, and other remarks on art. It is still in print today.

During the latter years of his life, Henri taught during the school year and traveled throughout the United States and Europe during the summer, often looking for subjects for his works. He grew particularly fond of Achill Island, off the coast of Ireland, where he spent many summers. Its simple way of life, not yet corrupted by civilization, was of great interest to him.

Henri died from cancer on July 12, 1929. He was 64.

Born in Columbus, Ohio, George Bellows was a major American artist of the early 20th century, known for his paintings of boxing match figures and for his lithographs of his paintings. Bellows cemented his place in American art with his series of works depicting urban life in New York City, circa 1910. He enjoyed much critical acclaim during his life, and was elected to the National Academy of Design. At the height of his career, Bellows died from appendicitis at the age of 42.

Arthur B. Carles was one of the first American proponents of Abstract Expressionism. He spent most of his life in Philadelphia where he studied, taught and exhibited at the Philadelphia Academy of the Fine Arts. Carles' paintings span turn-of-the-century academic impressionism, early American modernism, and the mid-century emergence of Abstract Expressionism. Regarded as a pioneer early in the century, he became an innovator. By the end of his career he was well ahead of his time.

William Merritt Chase is one of the most famous of all 19th century American painters, both as a painter coming out of the Munich tradition into modern impressionism and as a talented teacher. He studied painting in Munich for six years, and upon his return to the United States in 1878, quickly established himself as one of the foremost Impressionist painters in New York. Originally known for portraiture and still life work, he also gained a reputation for landscape painting.

Arthur B. Davies gained a reputation for ethereal figure paintings that expressed lightness and mysticism. He was also a principal organizer of the 1913 Armory Show. Davies developed a style that combined Symbolism with elements of Tonalism, Art Nouveau, and Cubism, and became increasingly interested in expressing a feeling of lightness in figural compositions. His involvement with the Modern artists is reflected in his production of cubist-inspired works during the period. He also did printmaking, producing some two hundred graphic works between 1916 and his death in 1928.

Born in Philadelphia, Pennsylvania, William Glackens became one of the Realist painters following Henri. His first job was as an artist-reporter for the Philadelphia Record . He then moved to the Philadelphia Press where Luks, Shinn, and Sloan were also employed. In 1919, he began sharing a studio with Henri, who encouraged Glackens to pursue a full-time career as a professional artist. Early in his painting career, he painted numerous scenes of Washington Square and Central Park. Glackens also adopted Impressionism and did many paintings of seaside resorts on Cape Cod and Long Island.

A painter and major organizer of the Armory Show, Walt Kuhn is perhaps best known for his circus figure/clown depictions. He also painted still lifes and landscapes. Kuhn was inspired and influenced by many artists, most notably Paul Cézanne. He was a key figure in forming the American Association of Painters and Sculptors, which organized the Armory Show of 1913. Kuhn was executive secretary of the Association and traveled abroad to select entries for that exhibition.

Working in a near-pure Impressionist style, Ernest Lawson's works often featured the urban landscape of New York. Lawson was born in Kansas City and studied at the Art Students League in New York City. Following brief study in Paris, Lawson stayed close to his home near Washington Heights, where he painted his most important canvases. In contrast to the other members of The Eight, who were all considered Social Realists, Lawson was the only member who exhibited pure landscapes. He worked in an Impressionistic style, and many of his works focus on the influence of human beings on the landscapes.

George Luks was a leading figure in the New York art world in the early part of the 20th century. He did lively portraits and genre paintings of everyday people engaged in activity, rather than self-consciously posed. He studied in Europe for several years and was much influenced by the paintings of Rembrandt and Frans Hals. He then worked for the Philadelphia Press , doing quick, accurate reportorial sketches, a method that became his forte. In Philadelphia he became friends with Sloan, Henri, Glackens and Shinn. In 1896 he moved to New York City, where he painted the people he saw on the street and joined with the Henri circle in depicting social realism.

Maurice Prendergast is known as a neo-impressionist rather than an Ashcan painter who was a member of The Eight. He is known for his lively, playful scenes that combine bold contoured forms with decorative surface patterning and bright, prismatic color. For most of his career he worked primarily in watercolor, but in the mid 1910s began to paint more in oil. He also made over 210 monotypes. By the time of his death in 1924, Prendergast had become one of the most famous American painters, well known for his views of the coastlines, beaches and parks in and around New England and Italy.

Everett Shinn was a Social Realist painter who focused on lower-class urban themes. He was also a cartoonist and illustrator. With the encouragement of Henri, Shinn moved to New York City, where he continued illustration work for various publications, and began exhibiting his paintings in fine art venues. Shinn's early paintings and pastels reflect his interest in the depiction of city living. His artwork also reveals an enchantment with the more glamorous aspects of urban life. In particular, Shinn's obsession with the theater may be seen in many dynamic works, which depict actresses, singers, and dancers on the stage, often compositionally related to the pastels of Edgar Degas.

John Sloan was a member of the Ashcan School and was an illustrator, painter, and printmaker. He became one of the major early 20th century figures in the Social Realist movement. He began his career as a newspaper illustrator for the Philadelphia Inquirer Sloan enrolled in a drawing class at the Academy taught by Thomas Anshutz, and eventually began renting Henri's studio, which became a meeting place of other young newspaper illustrators. After the 1913 Armory Show, Sloan experimented with more radical painting styles. Although he considered himself a professional artist, he continued to support himself as a commercial illustrator until 1916. Sloan was also an early eastern painter in the Southwest, active in the Santa Fe colony and in getting other eastern artists to head west.

Following is additional text excerpted from panels placed on the walls of the exhibition:

As an artist, art teacher, and advocate for modern art, Robert Henri influenced, and continues to influence, generations of artists with not only his artworks but also through his book, The Art Spirit , published in 1923, which remains in print and is still in high demand today. Henri's philosophy of art was an important catalyst in the history and development of international modern art in the United States. His philosophy was derived from romantic humanism, modernism, and American pragmatism, a blend that made European modern art less threatening to an art audience skeptical of abstraction and avant-gardism. Henri's interest in developing the artist's individual expressive freedom enabled artists to enter the international art world in an unprecedented manner. In fact several members of The Eight were instrumental in organizing and promoting the famous Armory Show of 1913, Americas first dose of European modernism, which represented a major watershed in American art and culture. This exhibition, of which Henri took part, had an inescapable effect, both directly and indirectly, on him, challenging his artistic beliefs and personal leadership. Representing the full spectrum of artistic styles that manifest the scope of Henri's influence, George Bellows, William Merritt Chase, Arthur B. Davies, William Glackens, Walt Kuhn, George Luks, Maurice Prendergast, Everett Shinn, and John Sloan are all associated with this initial American foray into modernism in the twentieth century. The Sheldon Memorial Art Gallery and Sculpture Garden presents Henri's work in the context of the many important artists he influenced in the first decades of the twentieth-century. Many of these artists were associated with both The Eight and later with the so-called Ashcan School, both of which were shaped and sustained by the energies of Henri. The Eight, which exhibited during the first decade of the twentieth century, included artists William Glackens, George Luks, Everett Shinn, John Sloan, Arthur B. Davies, Ernest Lawson, Maurice Prendergast, and Robert Henri. Functioning essentially as an exhibiting group or community and not because of a similar style or aesthetic art form, these artists represented a tremendous aesthetic diversity that came to characterize the history of modern art in the United States. The term Ashcan School, which first appeared in a 1934 book by Alfred Barr and Holger Cahill, describes some of The Eight who were interested in the banal and mundane subject matter and usually painted them in a dark palette derived from the Munich School. Indeed, the interrelationship of The Eight and the Ashcan School are due to Henri's strong involvement with both groups. With thirty paintings and works on paper and a collection of archival materials, the Sheldon Memorial Art Gallery collection is the most comprehensive public assembly of Henri's oeuvre.

Read more articles and essays concerning this institutional source by visiting the sub-index page for the Minnesota Museum of American Art in Resource Library Magazine

ابحث عن المزيد من المقالات والمقالات حول الفن الأمريكي في مكتبة الموارد. راجع فناني أمريكا المتميزين للحصول على معلومات عن السيرة الذاتية للفنانين التاريخيين.

تم نشر هذه الصفحة في الأصل عام 2002 في مجلة Resource Library Magazine. يرجى الاطلاع على قسم نظرة عامة على مكتبة الموارد لمزيد من المعلومات.

Copyright 2012 Traditional Fine Arts Organization, Inc. , an Arizona nonprofit corporation. كل الحقوق محفوظة.


Robert Henri


National Art Databases and Museum Inventories:

Smithsonian American Art Museum National Art Inventories
List of works nationwide from two sources: the Inventory of American Paintings Executed before 1914 and the Inventory of American Sculpture (only a few percent of listings have an accompanying image)

Christie's Past Sale Archive
(database goes as far back as 1991 images go about as far back as 1999)

Sotheby's Sold Lot Archive
(database goes as far back as 1998 images where permitted by copyright go about as far back as 2001)

Additional Image Search Tools:
(SafeSearch set to "strict" go to Advanced Search (Flickr/Google) or Preferences (Bing) to change)

Salon Acquisitions in France by the Service des Beaux-Arts, 1864-1901 (in French)
(Vintage documentation reproductions are monochrome but usually quite large)
La neige , from the Salon of 1899

Encyclopedia Britannica complete article on Robert Henri
Note: The full version of the article is available only if you follow this link . If you bookmark the article and return later, or if you navigate directly to the Britannica website, you will see a 100-word preview only. استكشاف الأخطاء وإصلاحها

Union List of Artist Names (Getty Museum)
Reference sheet with basic information about the artist and pointers to other references.

Antiques & Fine Art Magazine
"Painterly Controversy: William Merritt Chase and Robert Henri" (2007)

"Look Inside" and "Search Inside" Books at Amazon
Look Inside Books:Selections from the books listed below are scanned in, in high res. Text is clearly readable and art reproductions vary from so-so to excellent. Don't miss the fact that you can usually zoom in via the "View" drop-down menu, along the top row of Amazon's Online Reader.
Search Inside Books:Same as "Look Inside", except that the entire book is scanned in, and the text is fully searchable . This is an unbelievable resource, for research and especially for previewing a book when making the decision to buy.
Note: Some "Search Inside" features are limited to people signed in to an account which has previously made a purchase at Amazon.
search inside

The Art Spirit

We cannot be responsible for the content of external web sites.

All images and text on this Robert Henri page are copyright 1999-2015 by John Malyon/Specifica, Inc., unless otherwise noted. Note that the listings on this site are a unique compilation of information and are protected by copyright worldwide.


Blue Heron Blast



In my opinion, Robert Henri was the most pathetically overhyped American artist and the Ash Can School only possibly matched by the Oakland Society of Six in it's members lack of artistic merit and their overblown popularity. In fact, the latter day artist that most favorably compares to Henri is Walter (Margaret) Keane. They both liked to paint syrupy portraits of children with big eyes, however Keane was never under the illusion that he was creating great art. Like Keane, Henri's subjects always had the same rosy cheeks and monotonous and unwavering emotional palette. He used thick impasto and big sloppy brushwork.

من ويكيبيديا:

In Philadelphia, Henri began to attract a group of followers who met in his studio to discuss art and culture, including several illustrators for the Philadelphia Press newspaper who would become known as the 'Philadelphia Four': William Glackens, George Luks, Everett Shinn, and John French Sloan. The gatherings became known as the "Charcoal Club", featuring life drawing and readings in the social philosophy of Ralph Waldo Emerson, Walt Whitman, Émile Zola, and Henry David Thoreau. By 1895, Henri had come to reconsider Impressionism, calling it a new academicism. In 1906, he was elected to the National Academy of Design, but when painters in his circle were rejected for the Academy's 1907 exhibition, he accused fellow jurors of bias and walked off the jury, resolving to organize a show of his own. He would later refer to the Academy as "a cemetery of art."


In February 1908, Henri organized a landmark show entitled "The Eight" (after the eight painters displaying their works) at the Macbeth Gallery in New York. Besides his own works and those produced by the "Philadelphia Four" (who had followed Henri to New York by this time), there were paintings by Maurice Prendergast, Ernest Lawson, and Arthur B. Davies. These painters and this exhibition would become associated with the Ashcan School, although the content of the show was diverse and that term was not coined until 1934. In May 1908, he married 22-year old Irish-born Marjorie Organ.


In 1910, Henri organized the Exhibition of Independent Artists, a no-jury, no-prize show modeled after the Salon des Independants in France. Works were hung alphabetically to emphasize the egalitarian philosophy. Walt Kuhn, who took part in this show, would come to play a key role in the Armory Show, an exhibition mounted in 1913 that introduced many American viewers to avant-garde European art. Five of Henri's paintings were included in the Armory Show.


Now the salient question is how the American public, exposed and nurtured on the brilliance of Hassam, Eakins, Whistler and Sargent, could fall for these bogus antecedents of 50's clown genre painting. I think the answer is the New York centricism that both then and now pervades the art market. You could have a blind chihuaha tap dancing on a canvas with paint on its paws and someone in the five boroughs would proclaim it an artistic tour de force. And the American public would buy it. The rest of the eight, with the possible exception of Glackens, were similar one trick pony nogoodniks, whose exalted status has been fraudulently foisted on the American public. Sloan lacked rudimentary drawing skills, Prendergrast's work was thin and repetitive, Luks and Shinn were interesting artists in a regional sense, sort of second rate corollaries to the European Schiele and Klimt, but not deserving of the acclaim they ultimately achieved. These painters were awarded the sobriquet "Apostles of Ugliness" by the public, based on their gritty representation of life during the time. That verite is well and good if the image is at least rendered well or imaginatively. Bellows and Hopper are sometimes associated with the Ash Can school but their work stands head and shoulders above the original eight in it's brilliance.

من ويكيبيديا:
Walter Keane was born in Lincoln, Nebraska, Walter Keane became a highly-popular post World War II figure painter of wide-eyed "lost" children, waif-like and sympathy provoking. These images were reproduced throughout the world with originals in many collections including the United Nations, the National Museum of Contemporary Art in Madrid, Spain, and the National Museum of Western Art in Tokyo, Japan. At the age of fifteen, he moved to Los Angeles to live with an uncle, and as a young adult, seemed headed towards a business career, following in the footsteps of his father. However, he began painting on his own, and in 1938, abandoned the business idea to attend college in Berkeley from where he graduated three years laterHe became so torn emotionally between the pressure of his father to be practical and go into business and his own inner drive to be an artist that he developed ulcers. But late in 1943, he made the final decision to become an artist and painted full time for a year in Berkeley and then enrolled in the Ecole des Beaux Arts in Paris where he lived a raucous Bohemian-style life. In Paris, he painted street scenes and figures including nudes, and from 1946 to 1947, he went to Berlin where he began his signature theme of "Lost Children." These paintings were inspired by his shock at seeing the thousands of war-orphaned, poverty-stricken children. Wanting to capture the realism of these people, he abandoned the Abstract Expressionism he had flirted with and focused on a style that more closely resembled Realism with elements of Modernism. He stayed in Europe until 1949 and then returned to Berkeley where he worked from his Berlin drawings and did a lot of painting in Sausalito, living at North Beach. He married his wife, Margaret, also an artist, and they lived in Oakland, and became public personalities because his work was collected by so many movie stars. By 1956, he and Margaret opened a gallery at the Royal Hawaiian Hotel in Honolulu, and again his work got much attention. Shortly after, the couple returned to San Francisco where they had a gallery at 494 Broadway for two years and then opened a gallery in New York City. Again he had many collectors but also received criticism for being repetitious with every canvas having a "lost" child. In 1965, Walter and Margaret Keane divorced, and a judge ruled against him when he made claims that certain paintings of waif-like children signed Keane were by him. When the judge asked Margaret and Walter to each produce a painting in that style and subject matter, he declined and she readily performed. The conclusion, according to "Artnews" November, 2000 is that some of the paintings attributed to him are in fact by his former wife.

When I was taking art history in college, I dared to ask if these guys were in fact wearing clothes. Some of the abstractionists seemed to be lousy painters looking for an "easy" venue to hide their natural lack of talent. This would tend to enrage the professors, who said that of course they knew how to draw, but they had gone beyond the yeoman's craft of drawing and painting. The truth is that many never learned how to draw. Look at Selden Connor Gile and compare his draftsmanship to your average second grader and tell me honestly who has the superior skills? And you may want to find a couple of those neat Keane paintings. If Henri is such a big splash, they are bound to appreciate.


Looking Up to His Noble Father: The Early Life of Henry I

The death of a great king rarely failed to cause succession troubles, no matter the historical period. The king’s wealth and power are coveted by his offspring even before he is dead. And in early Norman England, this was especially true.

William, starting off as the Duke of Normandy , managed to greatly expand his power after launching a successful invasion of Anglo-Saxon England in 1066. Over the next few decades, he solidified his rule and in many ways greatly changed the face of medieval Europe. Of course, as a powerful ruler, William the Conqueror sired many children. He and his wife Matilda had at least nine children, however not all of them reached adulthood. The succession struggles would ultimately fall to his three sons: Henry, William Rufus, and Robert Curthose. All three of them inherited their father’s cunning and the desire to rule, all the more emphasized by their restless Norman roots.

The Bayeux Tapestry, chronicling the English/Norman battle in 1066 which led to the Norman Conquest, led by William the Conqueror, father of King Henry I. (alipaiman / المجال العام )

Henry’s date of birth is generally accepted as 1068 AD. The location of his birth is most likely Selby, located in Yorkshire. His date of birth tells us that it happened just two years after his father, William, conquered England. His mother was Matilda of Flanders, the daughter of a prominent nobleman, Count Baldwin V of Flanders. Henry was the youngest son of this noble couple and the fourth son overall.

An early portrait of the young Henry I long before he became king of England. ( المجال العام )

However, the couple’s second son, Richard of Normandy, would die early on in his youth, and that left only Henry, William, and Robert. There was also a noticeable age difference between the brothers, as Henry was born more than a decade after his siblings. However, this difference in no way stopped the brothers from vying for power.


Robert Henri (1865-1929)

WORLDS BEST PAINTERS
For top creative practitioners, see:
Best Artists of All Time.
For the greatest view painters, see:
Best Landcape Artists.
For the greatest genre-painting, see:
Best Genre Painters.

WHAT IS VISUAL ART?
For an explanation of the
terminology, see:
Art: Definition and Meaning.

American painter, Robert Henri was one of the leading figures of the Ashcan School of Art in New York. This was an art movement best known for a style of oil painting which portrayed the realism of everyday life in New York. Henri was also noted for his portrait art and figurative works. Born in Ohio, his family moved to New York when he was a teenager. He studied in Paris at the Julian Academy, where he came under the influence of French Impressionism. He continued his studies at the Ecole des Beaux Arts and the Pennsylvania Academy of the Fine Arts. It was at the Pennsylvania Academy, that he met the first members of the Ashcan School, the modern artists William Glackens (1870-1938), George Luks (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) and John French Sloan (1871-1951). The other painters who joined to make "The Eight", were Arthur B. Davies (1862-1928), Ernest Lawson (1873-1939) and Maurice Prendergast (1859-1924). They held their first group exhibition in 1908 to critical acclaim. By this time Henri had rejected traditional academic painting and Impressionism in favour of a raw, realistic, almost muddy style. In 1913 five of Henri's paintings were accepted for the famous Armory show, the exhibition that first introduced the American public to European modern art. Between 1915 and 1927 he was an influential teacher at the Arts Student League, some of his pupils included Edward Hopper (1882-1967), George Bellows (1882-1925), Rockwell Kent (1882-1971) and Yasuo Kuniyoshi (1893-1953). Henri's best known paintings include: Snow in New York (1902, National Gallery, Washington DC) and Tam Gan (1914, Albright-Knox Art Gallery).

He was born Robert Henry Cozad in Cincinnati, Ohio, the son of a professional gambler and businessman. In 1881 his father was indicted for manslaughter and a year later, the family fled to Atlantic City, New Jersey. His father was cleared of the crime but his name was ruined. To avoid further scandal he changed the family name to Henri. In 1886, Henri enrolled at the Pennsylvania Academy of Fine Arts, studying under Thomas Pollock Anshutz (1851�), who himself had learned from American Realist Thomas Eakins (1844�). Henri also studied under Thomas Hovenden (1840㫷), a painter of domestic realistic scenes. In 1888 he travelled to Paris and enrolled at the Julian Academy, under the classical academic painter Adolphe-William Bouguereau (1825�), and Tony Robert-Fleury (1837�), known for his historical compositions and portraits. Although Henri was to reject many aspects of his academic training, from Bouguereau he learned the importance of designing the canvas as a whole in order to achieve a unified composition. He also adopted the academic technique of making rapid oil sketches (known as pochades) as preparatory studies for larger works. During the summers, like many artists before him, he painted in Brittany and Barbizon, and visited Italy to view its Antiquities and Renaissance masterpieces.

In 1891 he studied briefly at the Ecole des Beaux-Arts before returning to America and the Pennsylvania Academy. At the same time, he became an art teacher at the School of Design for Women, where he taught for three years. He continued to make regular trips to Paris, where he was particularly influenced by the work of Frans Hals (1580-1666), Edouard Manet (1832㫫), Goya (1746-1828) and Velazquez (1599�) in the Louvre. In 1899, his painting The Snow was purchased by the National Museum of Luxembourg, this was his first museum sale.

The Group of Eight and the Ashcan School

In Philadelphia, Henri began to attract a group of followers who met at his studio to discuss culture and aesthetics. They discussed the novels of Balzac, Tolstoy and Zola, marked by their powerful descriptions of the lives of the working class. Henri became convinced that art could be noble, on a par with writing, and could a meaningful tool for portraying the plight of the poor.

He shared this thought with four others, who were illustrators for The Philadelphia Press who became known as the 'Philadelphia Four': William Glackens, Everett Shinn, George Luks and John French Sloan. Henri met them all while studying at the Pennsylvania Academy. They were soon joined by Arthur B. Davies, Ernest Lawson and Maurice Prendergast (1859-1924) and, together, became known as the Group of Eight. Their subject matter was the grit and dirt of cityscapes, in particular New York where they were based.

Henri's Snow in New York (1902, National Gallery of Art, Washington DC) is a wonderful example. He depicts New York's brownstone apartments hemmed in by faceless city blocks. The noise of the city is quietened by the newly fallen snow, which reveals grey slush and traffic ruts left by the horse and carts. The artist urged his students to reject the 'Ideal' and instead to focus on 'Reality'. This was the core of his individual contribution to American art. He promoted the idea that painting should spring from life, not from academic theories or classical aesthetics, and became a powerful influence in persuading young painters to capture the richness of urban reality, rather than rely on academic notions about art.

The Group of Eight held their first famous exhibition in 1908 at the Macbeth Gallery in New York. The work on display was diverse, only five of the artists were painting gritty urban scenes. There was no central organisation, in fact the first person to use the term 'ash can' was the cartoonist Art Young (1866-1943) in 1916. The term was later also applied to other artists such as Edward Hopper and George Bellows as they also portrayed city scenes. However Hopper rejected the classification, stating that his cityscapes had 'not a single incidental ashcan in sight'. All were unified however in their rejection of the genteelism of American Impressionism - see for instance works by Childe Hassam - which was more popular at the time. In contrast to the lightness of Impressionism, the Ashcan's canvasses were generally dark in tone, capturing fleeting but harsh elements of daily life. Prostitutes, boxing matches, drunks and overflowing tenements were common themes.

Henri is also known for his portrait paintings, which remained his primary form of expression. He built on the tradition of American Realism established by the great Thomas Eakins. His refusal to beautify his sitter beyond reality earned him the epithet the 'Manet of Manhattan'. In light of this, it's perhaps not surprising that his portraiture was not especially lucrative, and he was obliged to rely on teaching for his main income. His early portraits were dramatically dark, in the manner of Velazquez, Whistler and Manet - painted so as to impress juries at exhibitions. However, after the 1913 Armory Show, he took a trip to California which led to a period of great experimentation: his paintings took on a fresher, more modern look, as can be seen in Tam Gan (1914, Albright-Knox Art Gallery). By 1916, although no longer viewed as a forerunner of new developments, he continued to experiment with his painting. A masterpiece of this period is the life-size painting of Ruth St Denis, a dancer, painted in 1919. Between 1924 and 1928, he spent periods of time on Achill Island in Ireland, where he painted the local children as well as the local landscape. See also: Irish Art Guide.

In 1910 Henri organised the first Exhibition of Independent Artists and, in 1913, helped the Association of American Painters and Sculptors organise the Armory Show. This Show, also known as the International Exhibition of Modern Art became a seminal event in the history of American art. It introduced amazed New Yorkers - accustomed to realist art - to avant-garde art from Europe, including highly abstract works of Cubism and Futurism. The show served as a catalyst to American artists to free themselves from realism, and create their own independent artistic language. On the other hand, it also marked the point at which Henri's influence began to wane, although he continued to win awards and recognition.

From 1915 to 1927 he taught at the prestigious Art Students League, where he was a progressive and highly influential teacher. He continued to paint, displaying an interest in the works of Whistler and certain symbolist painters. He wrote and spoke about the American painters Winslow Homer and Thomas Eakins, and the Europeans Velazquez and Manet. Henri's thoughts on art inspired his students, influenced later realist movements like American Scene Painting and Regionalism, and he continued to be quoted well into the 1980s, latterly by the graffiti artist Keith Haring (1958-90). Henri died in 1929. Two years later the Metropolitan Museum of Art held an exhibition in his honour.

Paintings by Robert Henri can be seen in many of the best art museums throughout the world.

• For more biographies of New York artists, see: Famous Painters.
• For our main index, see: Homepage.


شاهد الفيديو: تيري هنري يتحدى روبرتو كارلوس في سباق السرعة